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Emma Dante, palermitana, all'avanguardia nel teatro italiano da vari anni come regista, scrittrice e attrice, debutta alla regia di un lungometraggio cinematografico. Ed è subito una Coppa Volpi come migliore attrice per Elena Cotta, una delle tre protagoniste (le altre sono Emma Dante stessa e Alba Rohrwacher, ambedue perfette) alla recente Mostra di Venezia. Un premio più che ambito, ma che non deve risultare fuorviante. Perché la grossa sorpresa di questo passaggio, a volte micidiale, al genere gemello da parte dell'acuta e pure spigolosa figura della scena teatrale contemporanea consiste nel non aver riuscito “soltanto” del teatro (filmato). Ma del cinema vero.

Della storia (tratta dal romanzo della stessa Dante del 2008) si è parlato: due donne in due auto che vanno a cacciarsi, una di fronte all'altra, in un vicolo che non permette il transito di ambedue i veicoli, in un quartiere strapopolare sotto il Monte Pellegrino. Nessuna delle due vuole retrocedere, nessuna vuol cedere. Un'ostinazione cocciuta, sempre più insensata con il trascorrere del tempo. Che ci illuminerà sull'intimità dei personaggi, sottolineandone acutamente l'impotenza, la frustrazione, e infine la rivendicazione esistenziale.

Emma Dante rifà allora L'INGORGO, il film di Comencini con Tognazzi, Sordi e Mastroianni con il suo celebre caos incattivito sull'autostrada romana intendeva riflettere quello dell'Italia del 1978 ? Piuttosto, anche perché le frecce in quel senso sembrano ormai spuntate, l'idea di uno stallo: che sospende nel tempo e nello spazio la resa dei conti fra gli eroi di un western, così come quello fra i sopravvissuti a una deriva sociale e morale. “ Un duello fra due donne ostinate che si guardano dentro, con citazioni al cinema amato di Sergio Leone”, suggerisce la regista. In effetti, un confronto dai toni sempre meno urbani che evade verso spazi più vasti e indefiniti, uno scontro fisico che finisce per trasformarsi in osservazione antropologica.

Se la cosa riesce è proprio perché di cinema genuino si tratta. Il fatto che sceneggiatura, dialoghi, direzione d'attori risultino brillanti è anche comprensibile; trattandosi di una personalità dall'ormai lunga esperienza drammaturgia e scenografica. Ma Emma Dante compie il passo successivo, quello che conduce alla dimensione cinematografica: inserisce il tutto in un ambiente, in uno spazio materiale e realistico che si fa psicologico, che da espressivamente curioso (l'assolato cimitero iniziale, con la figura antica della vecchia albanese che va a sdraiarsi sulla tomba della figlia) si carica di significati. La commedia si trasforma quasi impercettibilmente in tragedia; il dramma dell'individuo in quello di tutti.

Certo, dopo una prima parte che fila in perfetta fluidità (la crescente claustrofobia delle due amiche in auto, la cinepresa incollata alle loro nuche), la metafora e lo stile finiscono un po' tanto sottolineati: fino a quel finale insistito, anche spettacolare, dell'intero quartiere in corsa verso le cinepresa, curioso e avido di sensazioni, dopo la cinica indifferenza o il calcolo grottesco con il quale ha assistito (addirittura scommesso) sull'esito di uno scontro sempre più crudele. Ad imporsi in VIA CASTELLANA BANDIERA non è però mai la sceneggiata, come in troppo cinema italiano. Ma la traduzione estetica, intelligente e generosa nei confronti dell'ambiente, di un senso d'impotenza, d'impossibilità di emergere da un confronto sempre più lontano dalla realtà e dalla logica sociale che è proprio del momento che attraversiamo.

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Emma Dante, from Palermo, who has been at the forefront of Italian theatre for many years as a director, writer and actress, makes her feature film directorial debut. And it is immediately a Coppa Volpi for Best Actress for Elena Cotta, one of the three leading actors (the others being Emma Dante herself and Alba Rohrwacher, both perfect) at the recent Venice Film Festival. A much sought-after award, but one that should not be misleading. Because the great surprise of this sometimes deadly switch to the twin genre by this sharp and even angular figure on the contemporary theatre scene consists in having succeeded not only in (filmed) theatre. But of real cinema.

The story (based on Dante's own 2008 novel) has been talked about: two women in two cars who drive into each other, one in front of the other, in an alley that does not allow both vehicles to pass, in an overpopulated neighbourhood below Monte Pellegrino. Neither wants to back down, neither wants to give in. A stubborn obstinacy, more and more senseless as time goes by. It will enlighten us on the intimacy of the characters, sharply underlining their impotence, frustration and finally their existential claim.

So is Emma Dante remaking L'INGORGO, Comencini's film starring Tognazzi, Sordi and Mastroianni, with its famous chaos on the Roman motorway intended to reflect that of Italy in 1978? Rather, also because the arrows in that direction seem to have blunted, the idea of a stalemate: which suspends in time and space the showdown between the heroes of a western, as well as that between the survivors of a social and moral drift. A duel between two stubborn women who look inside themselves, with references to Sergio Leone's beloved cinema, suggests the director. In effect, a confrontation with less and less urban tones that evades into wider and more indefinite spaces, a physical clash that ends up becoming an anthropological observation.

If it succeeds, it is precisely because it is genuine cinema. The fact that the screenplay, dialogue and direction of the actors are brilliant is also understandable, given that we are dealing with a personality with long dramaturgical and scenographic experience. But Emma Dante takes the next step, the one that leads to the cinematographic dimension: she puts the whole thing in an environment, in a material and realistic space that becomes psychological, that from expressively curious (the sunny initial cemetery, with the ancient figure of the old Albanian woman who goes to lie on her daughter's grave) becomes charged with meaning. The comedy is almost imperceptibly transformed into tragedy; the drama of the individual becomes that of all.

Of course, after a first part that runs perfectly smoothly (the growing claustrophobia of the two friends in the car, the camera glued to the back of their heads), the metaphor and style end up being a bit over-emphasised: until that insistent, even spectacular finale, with the whole neighbourhood running towards the camera, curious and eager for sensations, after the cynical indifference or grotesque calculation with which it has witnessed (even bet on) the outcome of an increasingly cruel clash. In VIA CASTELLANA BANDIERA, however, it is never the screenplay that dominates, as in too much Italian cinema. It is the aesthetic translation, intelligent and generous towards the environment, of a sense of impotence, of the impossibility of emerging from a confrontation that is increasingly distant from reality and from the social logic of the moment we are living through.

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